Unplugged - Eric Clapton (1992)

Artista - Eric Clapton
Publicación - 1992
Discográfica - Reprise Records
Calificación: 9-

Momento cumbre: Nobody Knows You When You're Down and Out/ 2º Puesto: Rollin' and Tamblin'
Canciones: 1. Signe/ 2. Before You Accuse Me/ 3. Hey Hey/4. Tear In Heaven/5. Lonely Stranger/ 6. Nobody Knows You When You're Down And Out/ 7. Layla/ 8. Running On Faith/ 9. Walkin' Blues/ 10. Alberta/ 11. San Francisco Bay Blues/ 12. Malted Milk/ 13. Old Love/ 14. Rollin' and Tumblin'/


Sé que hay mucha gente por el mundo que tiene ciertos perjuicios en contra de Clapton, y esta vez les daré la razón. Lo que piensan es lo siguiente; Eric vive del cuento. Ahí queda dicho. Recuerden cuando este señor era un rey de la música, piensen en Cream, en John Mayal, en los Dominos e incluso en sus setentas en solitario, era impresionante, y a la gente le encantaba, recuerden Clapton Is God, pero entonces pensó: "funciono, tengo fama e incluso soy bueno, voy a seguir publicando y me saco unas pelas". Así fue como acabo Mr. Mano-lenta. Siguió sacando discos al mercado pero componía a toda prisa, y si se le acababa la imaginación se iba a los covers,  y así luego hacía lo que hacía (cof cof Pilgrim cof cof), aunque cuando el quería sacaba álbumes excelentes, escuchen From The Cradle, de los mejores trabajos para guitarra que escuchado nunca. Digamos que le pasó  lo mismo que a Santana.
Pues bien, siguiendo esa formula llegó al '92 y se fue a la MTV y grabó un disco Unplugged, ya saben; acústico. Y realmente fue bueno, tan bueno que lo llevó a ganar premios Grammy, aunque todo sea dicho, ¿ustedes creen que esos supuestos "críticos" se fijaron en más canciones que Tears In Heaven? Jojo, esos si que viven del cuento. Y para colmo, tras este trabajo saco el impresionante From The Cradle, parecía que había resucitado, pero tras esto, se desplomó en la nada con el absurdo Pilgrim...
Ya saben el aprecio que tengo hacia este señor, especialmente a su forma de tocar, y es que el se deja la piel en el mástil  sin apenas enterarse de lo que está haciendo, es como si las notas le salieran del alma, no como Satriani o Vai. 
A lo que vamos, el Unplugged es un álbum mítico hoy en día, y aunque este muy sobrevalorado, no dejará de ser una joya, y no me falta confianza para decir que es el mejor concierto acústico de la historia (por lo menos de la MTV). Todo el directo sigue la misma linea, mucho blues, la mayoría covers de canciones de dicho estilo, que se han convertido en clásicos, como Rollin' And Tumblin', además de algunos de sus temas más conocidos, por ejemplo Layla, y el famosísimo Tears In Heaven que presentó por primera vez aquel día, y que dejó al público conmocionado.
Ciertamente es un gran guitarrista dentro del ambiente acústico, sabe como hacerla sonar.


Abre con Signe, un tema instrumental con una buena melodía de guitarra, y una perfecta coordinación entre Clapton y el acompañante.
Sigue Before You Accuse, me que me gusta mucho más esta versión que la del disco Journeyman. Un blues muy marcado y con mucho ritmo, sin batería, dejando a los guitarros toda la magia.
Hey Hey, es un tema para lucirse con las seis cuerdas, ya que parte vocal no tiene mucha " Hey hey, hey hey baby hey". 
La siguiente es Tears In Heaven. La dulce balada que causó empatía hacia Eric y la muerte de su hijo, la canción es un clásico en sus conciertos, nunca falta. Es lenta, con unos bongos acompañando a la triste voz de Clapton, que produce un fuerte pesar en la parte de " I must be strong, and carry on". También mete un órgano para darle ambiente, y le queda que ni pintado. 
Lonely Stranger es otro tema pausado, con ciertas raíces negras. El piano que ayuda es simplemente bello, como el tema.
Nobody Knows You When You're Down And Out, es mi preferido del álbum. Es un blues de Jimmy Cox, con un cierto toque modernista para la época de Cox. Clapton canta con una voz sentimental hasta el alma, y de nuevo el piano suena a gloria, escuchenlo bien, es un grande de las teclas ese tal Chuck Leavell. ¿Y que me dicen de esos agudos acordes que Eric pellizca al más puro estilo negro?
Otra que tubo muy buena aceptación fue Layla, a la cual le cambiaron el inicial riff, por otro menos efectivo, pero perfecto para guitarra acústica.Por lo demás es como la original, mas fue uno de los puntazos del concierto.
Le sigue Running On Faith, un tema pop, arreglado con lindos slides sobre la dulce sección de acordes que la hacen deliciosa.
Luego Eric tocaría el clásico de Robert Johnson: Walkin' Blues, imitando a la perfección el estilo de este, que no me voy a poner a explicar, porque es único.
Continúa el recital con Alberta, un tema folk de toda la vida, con una melodía muy pegadiza "Alberta, Alberta, where you stay last night?", y vuelve a la carga Chuck con sus rafagas de notas, e impresionantes licks.
San Francisco Bay Blues aporta diversión al concierto, con innumerables tipos de percusión y guitarras de 12 cuerdas. Un tema muy alegre y bucólico, ya mítico por los solos de kazoos.
Malted Milk es otro de Johnson semejante a Walkin' Blues, que Eric vuelve a interpretar de forma excelente.
Sigue Old Love, al que también le cambiaron el riff por uno parecido al de Layla. No es la versión que mas me guste de este tema, pero se merece estar en rojo aunque solo sea por los solos del final.
Y terminamos con Rollin' and Tamblin', de Muddy Waters, con todo el público dando palmas como cosacos y Clapton contetandose así mismo con ese maravilloso riff. Perfecto para cerrar.
Si les gusta el blues clásico denle una oída, no les disgustará.

Queen II - Queen (1974)

Artista - Queen

Publicación - 1974

Discográfica - E.M.I./Parlophone (Europa) Elektra/Hollywood (US

Calificación: 9

Mejor Canción: Father To Son/ 2º Puesto: March Of The Black Queen u Ogre Battle.

Canciones: 1.Procession/2.Father To Son/ 3.White Queen (As It Began)/ 4.Some Day One Day/ 5. The Loser In The End/ 6. Ogre Battle/ 7. The Fairy Feller's Master Stroke/ 8. Nevermore/ 9. The March Of The Black Queen/ 10. Funny How Love Is/ 11. Seven Seas Of Rye/

Oscuro, pomposo, extravagante, barroco, grandioso...Más o menos así describiría el disco de forma rápida. Si quisiera profundizar y meterme en detalles, sería daros mucho la vara, es tan amplía su composición...Es muy variado y diverso, aunque en el fondo todo sigue la misma línea.
Caracterizado principalmente por su ampulosidad, el estar lleno de arreglos hasta el fondo es el problema que todo el mundo le atribuye, mas en el fondo yo creo que es lo que le hace un disco tan gigantesco, intenten imaginar cualquiera de sus temas con solamente una guitarra, una batería, un bajo y un piano, sería horrendo, asqueroso a cualquier oreja.
En Queen II deciden probar con sonidos más complejos, pistas multi track, coros en todos los lados...todo ello para conseguir un estilo semejante al progresivo, más bien al sinfónico. 
Brian May, si bien en su debut  rockeaba con riffs impresionantes, en este segundo trabajo se dedica más bien a solos imposibles (The March Of The Black Queen) y orquestaciones de guitarras, que no necesariamente tiene que ser al estilo Procession. 
En otros temas como Ogre Battle o Father To Son se decanta por romper las cuerdas, aporrear su guitarra y hacer vibrar las seis cuerdas alcanzando un punto único en toda su carrera, que solo igualaría en Live Killers y algún directillo más.
En ocasiones toda esa pomposidad que predomina en todo el álbum, llega a ser excesiva, lo cual es raro, pues Queen se las arregla muy bien para equilibrar sus instrumentaciones (bueno, siempre no, casi siempre), muchas veces los coros son empalagosos, y las canciones piden a gritos que se les quite partes.
Pero yo a este disco le tengo mucho aprecio, no fue ni mucho menos el primero que escuché, y me cuesta mucho escoger un disco favorito de Queen ( el A Night At The Opera no cuenta, es el mejor y mi preferido de toda la historia), ya que tengo etapas en las que prefiero a uno y otras en las que me lanzo con otro, pero creo que si no contamos el ANATO, este (y quizá también Jazz y A Day At The Races) sería el que más escucho y disfruto escuchando.
El álbum se divide en dos mitades, "La Reina Blanca" (May y Taylor) y "La Reina Negra" (Mercury), no es precisamente una opera rock, visto desde el punto de que las letras no tienen coherencia entre si, y hay canciones que solo sirven como enlace. 


Unos pequeños pálpitos, sobre los que Brian toca un centenar de guitarras (en el fondo todas son la misma xD), conforman el pequeño intro llamado Procession, al que rápidamente se une el grandísimo Father To Son, con una delicada melodía "A word in your ear, from father to son", con perfectos arreglos de May, que pasan desapercibidos, pero son una delicia, y en el 2:08 la Red Special empieza a soltar gritos y berridos, mandando todo al garete y pasando por el disco como un trolebús. Mas luego Mercury volvería con sus maravillosas partes vocales, esta vez denotando más potencia y fuerza.
Le sigue White Queen (As It Began), la que muchos consideran la mejor balada de Queen, yo no pienso asi, porque, jojo póngase ustedes a buscar la mejor balada de Queen. Freddie parece contar todas sus penas, con voz temblorosa y arrebatadora, cuenta la desafortunada historia de la Reina Blanca, a la cual May le da más tristeza con sus oscuros arpegios de fondo, que sin avisar se transforman en un contundente trallazo a la guitarra para el impresionante estribillo.
Some Day One Day es un tema folk, que se hace demasiado largo, y como en si no da para mucho resulta un tanto aburrido. Brian toca la guitarra con algún efecto que da la sensación de que el sonido este dando vueltas sobre si misma (creo que se llama Phaser)
The Loser In The End está un tanto incomprendida, ya que es uno de los mejores temas de Taylor, pero con el tiempo la gente le acaba cogiendo manía a Roger. Es un fuerte rocker, con un audaz riff acústico/eléctrico durante todo el tema sobre el que Brian May se lanza a tonos mucho más agudos.
Ogre Battle abre la segunda cara del álbum. Tras el grito de Roger comienza un espectacular intro de guitarra y batería rebobinada, al que más tarde se une Mercury con una pegadiza melodía, cantada con toda su maestría. Es el tema más cañero de todo el álbum, puede hasta con la parte dura de Father To Son. Son incontables los licks que Brian pone a prueba en este tema, demostrando su dominio.
The Fairy Feller's Master Stroke pierde aceite, aunque reconozcámoslo; no es tan malo, tiene unas cuantas partes muy melódicas, aptas para cualquiera, su único defecto es el falsete de Freddie - del cual es un maestro -, a veces es agobiante.
Nevermore sirve de enlace, pueden escucharla tantas veces como quieran, no les cansara NUNCA, es conmovedor esa parte de "You send me to the path of nevermore, when you say you didn´t love me anymore".
The March Of The Black Queen es el resumen de todo el disco, todos los adjetivos del incio de la reseña le quedan como anillo al dedo. No deja de ser mi segunda preferida, todas esas partes de piano donde Freddie muestra toda su destreza a como cantante y teclista, o ese perfecto coro de " Here comes The Black Queen, pokin in the pile" emulando opera, y por supuesto todos los solos de guitarra, todos, y si tengo que elegir uno me quedo con  el del 2:08. Toda la esencia del álbum y de Queen esta en este tema.
Por desgracia Funny How Love Is es mala con gana y ampulosa hasta la saciedad, y uno de los coros más estúpidos escuchados...Una pena.
Cierra el mítico Seven Seas Of Rhye y su veloz riff de piano y los fuertes rasgueos de Brian, unas cuantas melodías perfectas y muy contundente, ¿que más queréis?
Si sois impacientes olvidaros de este Queen II, pero no sabéis lo que os perdéis. 

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/


Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores  sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
 Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de   infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento. 
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe. 
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.


PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe  sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright  hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna. 
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien  tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.

The Bends - Radiohead (1995)

Artista: Radiohead
Publicación: 1995
Discográfica: Parlophone
Calificación: 10-

Mejor canción: Fake Plastic Trees / 2º Puesto, algo imposible de elegir.
Canciones: 1. Planet Telex/ 2. The Bends/ 3. High & Dry/ 4. Fake Plastic Trees/ 5. Bones/ 6. (Nice Dream)/ 7. Just/ 8. My Iron Lung/ 9. Bullet Proof...I Wish I Was/ 10. Black Star/ 11. Sulk/12. Street Spirit (Fade Out)/


Sinceramente, hace nada que empecé a escuchar a esta peculiar banda. Debería darme asco de mi mismo. No había escuchado NADA (bueno...Karma Police...) hasta este verano. Fue el mundillo blogger el que me ayudo a incarles el oído. Acabe cansándome de mi mismo por no haberles prestado atención. Me tragué del tirón sus tres primeros álbumes, y estuve mucho tiempo anclado en el Ok Computer,el cual me había eclipsado sus dos anteriores trabajos. No me acordé más de ellos, hasta que hace nada, el Hombre Mojón, con sus temas selectos de Radiohead me hizo pasarme por sus inicios. El Pablo Honey me pareció cutre y ruidoso, pero The Bends, realzó mi animo a meterme en sus mundos.
Los de (jamón de) Yorke siempre tuvieron fama de deprimidos, emos y todos esos rollos, y por ahí van los tiros de su música, especialmente después de este, pero The Bends no me parece precisamente pesimista, hombre, hay alguna como Just, Street Spirit  o (Nice Dream), pero no es lo más abundante, simplemente cumplen su papel en el álbum.
Para mi, es un álbum de transición hacia nuevos sonidos, pero conservando la viveza de Pablo Honey, obviamente perfeccionada, todo ello lleva a una mezcla parecida al Brit.
Es asequible, llega con facilidad; sin muchos rodeos, tardará tan poco como a mi en gustaros, quizá se demore más en apreciar la grandiosidad de temas como My Iron Lung, Just o incluso Street Spirit, pero son solo tres canciones, y el álbum tiene 12.
Suena repetitivo, ya lo sé, pero, ¿quién iba a pensar que esto sean Radiohead?
Creep es la canción más famosa de la banda, mas yo me quedo con cualquier tema de The Bends antes que Creep, la aborrezco.


Abre con la espacial Planet Telex, con sintetizadores a reventar, que son más de media canción, le dan forma, pero la hacen un tanto pomposa. Los versos son cañeros y potentes, sin embargo, el estribillo no es muy de mi gusto.
The Bends es mucho mejor, un rocker con todas las letras, con el mejor riff de todo el disco, y si te descuidas, de Radiohead (no puedo hablar con seguridad, los siguientes a Kid A, son desconocidos para mi, excepto alguna canción). Thom versea con desgana al principio, pero en los siguientes la voz se anima con la guitarra de Jonny ayudándolo. El estribillo es de lo más pegadizo " My baby it´s got the bends, oh no, we don´t have any real friends"
Sigue High n Dry, tema que sonó a reventar en todos los lados. Se trata de una balada melódica y dulce, con pegajosas melodías durante toda la canción. La guitarra de Thom tiene un papel más importante que el de Jonny, acompañando de manera perfecta.
Fake Plastic Trees es la mejor del disco con muucha diferencia, puede con cualquier otra. Yorke hace florituras con su voz, pasando de graves a agudos sin termino medio. La lentitud acústica es todo un punto, crea el ambiente necesario, y para realzarlo, el hammond, que le da pequeños tintes tristes. Pero su punto más alto llega cuando en el minuto 2:36 Jonny da a conocer su guitarra eléctrica, la canción la pedía a voces, y Greenwood lo da todo. De lo que conozco de la banda, es mi preferida.
Bones es más fuerte, que las dos anteriores, y juega con la base de Planet Telex, con los teclados y el bajo dominando hasta que en el estribillo, Thom ataca con su voz y desemboca en un riff a toda potencia, un pelín rockanrollero. Puede ser más floja, pero sirve de enlace entre dos grandes.
La siguiente es (Nice Dream), esta tira a sonidos del estilo del Ok Computer, lento y textura suave, con la acústica mandando pero con Jonny ayudando con arpegios simples, pero que le vienen que ni pintada. Es hipnotizante como ella sola.
Just es un tema grunge sin ninguna duda, desganado e indiferente, mas aún así de las mejores. Los versos suenan más tranquilos, Greenwood los remata con una sencilla melodía guitarril, y tras un momento de unísono entre guitarra y voz, la canción explota en un impresionante estribillo.
La más loca es My Iron Lung, que entra como Lucky In The Sky With Diamonds, algo parecido, ya sabéis, arpegiado y vibrante, y para sorpresa de todos se convierte en algo, como diría Jesulín: "en dos palabras: im-prezionante", capaz de reventar una casa.
Bullet Proof... I Wish I Was no me gusta demasiado, lenta y tranquila, intenta llegar a Fake Plastic Trees, pero se queda muy atrás, para mi gusto es un relleno.
Sirve como puente de rellenos Black Star, que es mejor, con un efectivo riff y una parte vocal melodramática a lo largo del tema.
Sulk es lo peor del disco, no me gusta nada, quizá un poco sus coros, pero poco. Es aburrida, ese es su problema, nada más, y este es un disco para disfrutarlo a tope, y no me parece que Sulk ayude. Por lo menos compensa el peso de las demás.
Street Spirit (Fade Out) la suelen catalogar como la mejor, seguramente de las que yo tengo como candidatas al segundo puesto vaya más adelantada. Es un tema triste, deprimente, pesimista... ya saben por donde voy ¿no?, pero me parece que todo eso la hace un tema de unas inimaginables magnitudes, el como va cambiando la sección de acordes pero manteniendo el riff, es lo que me enamora de ella.
Gran disco, os puedo decir con toda seguridad, que os gustará.

Is This It - The Strokes (2001)

Artista - The Strokes
Publicación - 2001
Discográfica - RCA
Calificación: 9+

Mejor Canción: Is This It (Sí, Is This It)/ 2º Puesto: Someday o New York City Cops.

Canciones: 1.Is This It/ 2. The Modern Age/ 3. Soma/ 4. Barely Legal/ 5. Someday/ 6. Alone, Together/ 7. Last Nite/ 8. Hard To Explain/ 9. New York City Cops/ 10. Trying Your Luck/ 11. Take It Or Leave It/

Estamos por fin ante un disco que ya venía haciendo falta postearlo. Más que nada porque llevo una temporada publicando música setentera, y se que hay gente que le interesa también las buenas bandas modernas, que aunque hay pocas, hay.

Y el movimiento indie, no empezó ni con Franz Ferdinand ni con The Killers, ciertamente no empezó ni siquiera con los Strokes. Mucha gente cree que esta banda fue la que invento la música independiente, pero las cosas no son así, muchos grupos antes de los dosmiles hicieron música a la que nadie le encontraba un estilo, que era un género único en la banda. A la mayoría los tacharon de rock alternativo, pero en muchos casos se equivocaron, el alternativo está más indicado a los que reivindicaban el rock progresivo, y el indie era indie.

The Strokes se encargaron de popularizar el término. No solo el término, si no también la imagen, ser auténticos y nunca vistos pero sin ser excesivamente extravagantes, lo que góticos o moko hoteleros no entienden.

Música basada principalmente en rock de garaje, osea, bien distorsionado y un sonido abrumador, pero con melodías pop impepinables, sobre un ambiente un tanto bajo de moral pero espacial en gran parte de las canciones, conseguido por ese efecto de la voz de Julian Casablancas, a bajo volumen e intentando sonar a voz negra. 

Las guitarras son sencillisimas, imitan sonidos post-punk, y consiguen que les quede bien, muy bien.

Es complicado no haber oído hablar nunca de él, Is This It, fue nombrado y renombrado hasta la saciedad. Bastante lleno de vitalidad y ritmo. El sonido esta completamente definido, y ya son inconfundibles.

Abre con la homónima, que para mi, y debo ser el único, me parece la mejor del álbum. Julian canta lentamente y suave, dejando oír más a la guitarra , que hipnotiza, buscando igualar la melodía vocal, pero anclándose en un sencillo riff. Unos licks de bajo eclipsan a toda la banda. Canción efectiva como ella sola.

Le sigue The Modern Age, que tras el intro punkarro se introduce en un aura espacial con unos buenos golpes de batería de Moretti, la canción es tranquila, sencilla, su función es introducirte, capturarte y no soltarte. Me encanta ese momento en que la voz de Julian suena desgarradora en el 1:13.

Soma es quizás inferior a las anteriores, por culpa de ese riff, que no me gusta, y como se repite durante casi toda la canción ni la melodía puede pararlo.

Berely Legal tampoco es nada del otro mundo, esta vez es la parte vocal la que me echa atrás, porque en esta las guitarras no son tan malas, pero en conjunto es un tanto excesiva.

Sigue mi segunda preferida, Someday, con un intro mucho más directo, y una melodía clara y dulce. El estribillo es su punto fuerte, haciendo dueto entre voz y guitarra, creando un efecto precioso. Julian desgarra su voz más que en cualquier otro tema, lo cual hace que la canción sea única.

Alone, Together es mastodóntica, el riff es impresionante, pero lo es  aún mas la combinación entre este y verso, hacen un efecto convicente. Una canción con mucha potencia, que hacia falta.

La más famosa y con más reconocimiento es Last Nite, sin duda una maravilla, pero no la mejor. La parte vocal inicial es muy atractiva, cambiando de forma continua los acordes, y fabricando una atmósfera fiestera y a la vez delicada.

Hard To Explain me parece floja y sobrevalorada, es la que menos me gusta del álbum. Intenta parecerse a un rollo electrónico alternativo pero se queda corta.

New York City Cops realza la moral con un espectacular riff, y mucho más cañera que Alone, Together, y de las pocas del disco con un solo de guitarra, y las cosas como son, fantástico. Igualando el nivelazo de Someday.

Le sigue la melódica Trying You Luck, de la  que me gustan su verso, su intro y su puente y, me parece que todo eso vale más que el estribillo (0:35), un tanto malo.

Y cierra con un tema muy directo Take It Or   Leave It, concreto y conciso, con un lick de guitarra  durante toda la canción que en el estribillo Julian lo retrata con la voz, explotando.

Un gran disco lleno de himnos, seguro que os gusta.

Los Berrones

Nombre del grupo - Los Berrones
Genero - agro rock
Periodo de actividad -  1987 - ?
Mejor Canción - La Del Estudiante


  
Wow, llevaba mucho tiempo queriendo subir algo de este maravilloso grupo. Es algo muy distinto a cualquier cosa que hayamos visto hasta el momento. No puedo decir que sea rock en español, ya que no cantan en castellano, sino en bable, lengua asturiana, que aunque no este reconocida, nosotros la falamos (hablamos). 
La verdad, me vi incitado por Miguel, el cual había subido un grupo surf de su tierra, así que pensé que estaría bien compartir esta música.
Pues bien, introducimos en el blog dos términos nuevos (es que sueno intelectual del todo), agro rock y rock asturiano.
Como empezar... Los Berrones nunca fueron un grupo dedicado explícitamente a la música, ya que se ve que no tenían mucho futuro fuera de la tierra. Y no lo tuvieron, llegaron a la vecina provincia de León y parad de contar. Sin ir muy lejos, los de Mon, actuaban básicamente en fiestas locales, pero bien visto, eso fue lo que les dio ese pelín de fama; dar conciertos pueblo por pueblo popularizó sus canciones, especialmente los míticos Chacho y Nun Yes Tu.
Pero si nosotros les tenemos cariño, es porque retrataban la realidad. Mon y Olegario, aún siendo ya famosos, nunca dejaron de reconocerse de paisanos de fesoria en mano (Fesoria = azada). No hay más que ver sus conciertos: en vez de usar un pie de micro, usaban el mango de la traenta (tridente), angazu (rastrillo de madera) etc. 


 
Sus letras representaban la vida en los pueblos y aldeas. Claro, los que somos de aldea vamos y nos ponemos a escucharlos y oímos todas esas expresiones típicas, que parecía que nosotros eramos, por ejemplo, Manolo (de Manolo Por Favor). Además siempre escritas en clave de humor, lo cual nos alegraba más la cara.
Yo he tenido la oportunidad de verlos unas cuantas veces en directo, por todo lo que contaba arriba, y os aseguro que sus conciertos son fantásticos. Es increible, pero (casi) todos los asturianos hemos seguido toda su trayectoria sin darnos cuenta.
Ramón "Mon" Blanco tiene sentido del directo, os lo puedo asegurar, chistes de toda la vida entre canción y canción y trato con el público. Además es un gran compositor,  mejor que muchos otros que presumen de ello. 
También me considero fan de Julio Gilsanz, que aunque no sea miembro oficial, es un gran guitarrista, de gran virtuosismo, técnica e influenciado especialmente por Gilmour, May y Hendrix. Siempre fue más discreto, escondido en una esquina, pero cuando le daba, le daba, y hacia un solo hasta con una madreña (no tiene traducción mirarlo en google xD)


 
En cuanto a canciones, mi preferida es La Del Estudiante, que tiene un gancho tremendo, y una guitarra devastadora, aunque sus dos temas míticos siempre serán Chacho y Nun Yes Tu, cuando Mon aún era guitarra solista, y Gilsanz se conformaba con una acústica. 
Otras de mis preferidas son La De La Escuela, Calcar Na Tená o Mentires, Carabines Y Escopetes o Vicenton.
Las dos últimas son del último disco que fue un claro guiño a Pink Floyd, tras la muerte de Richard Wright, y lo más sorprendente, la versión de Confortably Numb, bajo el nombre de Como Un Tapín, con un solo de gaitas y otro fantastico de Julio, además de versos cantados como tonada.


Discografía
1989. Voy Decitelo ( Fechu n'Asturies)
1990. Si Rompe, Que Rompa.
1992. ¿Lo Tuyo Cómo Ye?
1993. No, Home, Non
1998. Da-y-fuerte
2003. República Independiente De Tolivia
2008. VII Ad Libitum


 
Creo que podéis conseguir bajar el recopilatorio 10 Años Berrando, que trae alguna canción mejorada, porque había quedado mal por problemas de grabación, en sus primeros trabajos y me parece que también República Independiente De Tolivia.
Bueno, y para cerrar, la segunda canción por excelencia de Los Berrones: Chacho.



El que lo quiera ver como una chorrada que lo vea, ya me contareis lo que os parece.
Un saludo.

Jimi Plays Monterey - Jimi Hendrix Experience (1986)

Artista: Jimi Hendrix Experience
Publicación: 1986, creo, pero la grabación fue en el 1967.
Discográfica: Reprise
Calificación: 9.5

Momento Cumbre: Wild Thing y el "quemamiento" de guitarra o The Wind Creis Mary.
Canciones: 1. Killing Floor/ 2. Foxy Lady/ 3. Like A Rolling Stone/ 4. Rock Me Baby/ 5. Hey Joe/ 6. Can You See Me/ 7. The Wind Cries Mary/ 8. Purple Haze/ 9. Wild Thing.


Definitivamente me he decidido. Me he decidido a reseñar un álbum en directo. Harto de escuchar grupos superficiales, que sacan un aburrido disco de estudio y luego en el escenario se lo montan como nacidos para ello, y yo pienso, ¿no les compensaría sacar solo discos en directo? Intenta escuchar dos álbumes de Kiss seguidos sin acabar mirando la tapa para ver cuánto duran. ¿Nunca os encontrasteis en esa situación?
Por suerte con el tito Jimi, no pasa lo mismo.  Bueno, pasa pero en parte. Sus tres obras con los Experience fueron perfectas, pero Hendrix vivía de la carretera,  a él, en los discos de estudio lo que le importaba era meter canciones, eso sí, bien seleccionadas, para luego poder dárselo todo  a su público. Mucha gente hizo eso, pero Jimi componía con mucha sabiduría, y evitaba lo malo, tiene pocas canciones malas en sus 3 trabajos, especialmente Are You Experienced? y Electric Ladyland, que tenían mas de 16 temas dentro, y casi ninguno era relleno.
Normalmente, los grupos en concierto podrían hacer cualquiera de estas tres cosas:
1. Tocar los temas de forma idéntica a la original.
2. Tocar todos lo arreglos que se les ocurrieron después de la publicación del álbum, y no les dio tiempo a meterlos en él por impacientes.
3. Dar un concierto salvaje, lleno de sentimiento, solos extraterrestres y amplis al máximo.
Jimi encaja en el último bando, pero descaradamente. No hay más que verlo, cada gesto y cada movimiento que hace, son una muestra de su dedicación al público y del amor que tiene a su instrumento. Cada nota que se le ocurría dar era él en estado puro. Cada Yeah! que soltaba, viniera a cuento o no, era la muestra de como disfrutaba sobre el escenario (eso, o que se había jartao antes de tocar).
Pero el concierto se tuvo que hacer famoso por algo. Y al ver la portada ya se nota , he aquí, como tras dar un espectacular concert, coge su guitarra la arroja al suelo y le prende fuego. Jimi decía que había que sacrificar lo que más se quería. Y se ve clarito como el agua a quien era.
Además su presencia en el Monterrey Pop Festival, lo catapultó a la fama mundial, especialmente en su país, ya que hasta ese momento, era reconocido poco más que en las Islas Británicas..


Tras la presentación de Brian Jones, Hendrix, hace vibrar su guitarra con un riff imposible, demasiado veloz para el ojo humano, mientras mueve las plumas que llevaba al cuello y Mitch Mitchell da golpes a su bateria salvajemente, retumbando en los oídos de la gente, que se mueve al ritmo de la música.
Tras el acelerado Killing Floor, los Experience deciden darle a Foxy Lady, reventando las cuerdas y dándole mil vueltas a su guitarra (literalemente, menudo solo) y creando un ambiente de tensión al parar todos y dejar solo a Jimi para decir con vacile "Wuuuuu Foxy Lady!"
Hendrix suelta la boa y empieza a tocar los inconfundibles acordes de Like A Rolling Stone, de Dylan,  y comienza a recitar la poética letra y soltar carcajadas, sin levantar demasiado el tono de voz, ni hacer los gallos de Bob, creando una excelente perfomance (como me gusta usar esa palabra). 
Anuncia Rock Me Baby, pero advierte de que no sera el clásico Rock Me Baby, y os aseguro que no es el clásico Rock Me Baby. Sigue la pauta del Killing Floor, a todo lo que da,  haciendo sabeDioscuantas guitarras al mismo tiempo, ritmos raudos y solos que no caben en la pantalla, una ametralladora de notas sin duda alguna.
Más tarde tocarían uno de sus temas más famosos: Hey Joe, la que toca más tranquilo, pero lleno de orgullo, y a la vez una versión más triste y melancólica en la parte vocal notable, con un deje más aburrido, mas aún así crea unas melodías preciosas con su guitarra. Y se me olvidaba, el famoso ¿solo? con los dientes.
Can You See Me, es para mi, el momento más aburrido y monotono, simplemente porque ya había demasiado blues rock, en el concierto, y este ya se excede.
Uno de los momentos para ensueño del concierto fue cuando tocaron The Wind Cries Mary, era clavada a la del estudio, pero me parece que solo con ese tema consiguió tanta atención del público, los cuales aprestaban sus oídos ante la linda balada que Jimi tocaba con delicadeza, sin demasiado virtuosismo, pero capaz de calmar a una multitud.
Y tras la preciosa Wind Cries Mary, llega Purple Haze, con toda la técnica, pureza y potencia que ella requiere, y Hendrix nos ofrece una de sus mejores presentaciones en vivo de la canción, y Noel Redding y Mitch Mitchell luciendose en sus respectivos instrumentos, expresando que la banda no es solo Hendrix.
Y cierra el otro momento cumbre, Wild Thing, un pedazo de canción, con ritmo y melodía como mandan los cánones, esto es un cover y no el Spaguetti Incindent, que coros de Noel más resultones, y además el SACRIFICIO DE LA GUITARRA, Hendrix coge su Stratocaster y la arroja por el suelo, la quema y luego la espeta contra el suelo, lo que queda (osea el mástil) lo lanza a la gente. Esto sí es rock en estado puro.

Covers: Knockin' On Heaven's Door

Otra vez con los covers, y otra vez con Bob Dylan. Como comentaban Aitor y Panxo en la entrada de All Along The Watchtower, Bob hizo un porrón de canciones de las que luego muchísimos artistas  realizarían unos covers en los que la mejoraban, como es el caso de Mr. Tambourine Man o All Along The Watchtower. He de reconocer que esta versión original me gusta mucho, tiene un aire espiritual muy enganchadizo y unos coros femeninos que llegan al cielo (nunca mejor dicho).  Incluso la guitarra suena más que un mero acompañamiento, que es lo que es, pero coge vida propia.


 


Pero claro, tuvo que ser una banda la que hiciera pensar que la canción era suya y no del tío Bob, y tuvieron que ser los Guns n' Roses (actualmente conocidos como los gansos rosas). Las cosas como son, tiene más potencia, es más directa y mejor, pero le falta la atmósfera de la original, que no consigo quitarme de la cabeza. 
La guitarra suena lenta y acuosa pero le da por hacerse ver y aparece un pedazo riff, de estos que retumban en toda la comarca. Otro aspecto a destacar (que intelectual sonó eso ¿no?, una pena que haya que tenido que fastidiarlo con este paréntesis) es el extraño Dr Jekyll & Mr Hyde que hace Axl con su voz; como sabréis Mr. Rose, para las baladas canta con una voz de fosa y para las mas rockeras canta como una frenada de moto, pues grabo la voz en dos fases creando ese fantástico fenómeno.





¿ Y qué me dicen de la versión reagge de Eric Clapton? Muchos la consideran basura, pero tiene un gancho con ese ritmo mutado y ese duelo entre guitarra y armónica. A mi me gusta, cada uno que opine lo que le de la gana, pero me parece muy complicado hacer que una canción que te alegraba, como hacía la de Dylan, te ponga triste de sopetón. 





Y ya para terminar ( hoy son pocas si, porque versiones muchas pero buenas pocas), una de Ted Christopher y Mark Knopfler, en la que le añadieron un verso nuevo, y les quedo muy bien. La guitarra de Knopfler no suena como de costumbre, sino que  tiene un sonido más cilíndrico, que combina a la perfección con los maravillosos coristas. 

Somos Unos Animales - Extremoduro (1991)

Artista: Extremoduro.
Publicación: 1991 y remaster en el '95
Discográfica: Pasión-Área Creativa y DRO Atlantic el remaster.
Calificación: 9.5

¿Mejor disco de Extremoduro?- No
Mejor canción: Tu Corazón/2º Puesto: La Canción De Los Oficios o Necesito Drogas...
Canciones: 1. Tu Corazón/ 2. La Canción De Los Oficios/ 3. Quemando Tus Recuerdos/ 4. V Centenario/ 5. J D La Central Nuclear/ 6. Ni Principes Ni Princesas/ 7. Perro Callejero/ 8. Desidia/ 9. Resolución/ 10. Necesito Drogas y Amor (Los Camellos No Me Fían).


No haría falta ser un experto en Extremoduro, en música o lo que sea para ver que cuando los Extremo se propusieron ser la banda más transgresiva de España lo consiguieron, aún me pregunto por qué no les pusieron nunca el sticker de Parental Advisory.
Tras un primer álbum borrachucio, complejo y radical, Extremoduro se meten al estudio para grabar el disco que iría marcando su estilo: fuerte, seco, falto de arreglos y directo. Aunque podríamos decir que es uno de los discos menos trabajados de la banda, es más es el trabajo menos trabajado, pulido y escaso, incluso un pelín monótono, pero todo eso  es lo que lo hace el primer discazo del grupo. La Ley Innata es una gran obra, incluso me plantee decir que era su mejor álbum, pero no, porque estoy seguro de que canciones como La Canción De Los Oficios es más profunda que el Segundo Movimiento: Lo De Fuera, aunque esta sea una suite casi perfecta, no esta hecha con las mismas ganas que Somos Unos Animales, un disco en que su único fin era pasar el rato y contarle a alguien sus penas.
El Robe toma unas cuantas decisiones bastante acertadas, le cede la gutiarra solista al Salo y contratan a Carlos  "El Sucio" para el bajo, de forma que a dos guitarras la banda gana mucho, y además Salo es un virtuoso, no tanto como Uoho, pero virtuoso igualmente,  ¿o nadie vio los solos que se marcaba en Jesucristo García en directo?
En la primera publicación lo hicieron con Pasión-Area Creativa, con la que les fue mejor que con Avispa, mas aún así, Robe califica la calidad de Audio de "Puta Mierda" frase muy típica en su repertorio.
Como dije más arriba, el meter dos guitarros es una clara ventaja, no hay más que oír el intro de Necesito Drogas y Amor.


Abre con Tu Corazón, con su inconfundible intro experimental, distorsionado y crudo, al que Robe se une con un sencillo riff y pequeños licks bluseros para desembocar en esos extraordinarios coros, que crean un crean un quebradero de cabeza, con ese oscuro ambiente y la pegadiza melodía: "mi corazón acorazado como un callo". Y sin palabras te deja ese acelerado final con el explosivo dúo de guitarras peleando por la grandeza.
Le sigue otra joya La Canción de los Oficios, con la colaboración de Rosendo a la voz, con la infinta frase que tanta fama tiene entre los fans de Extremo: " En mi casa no hay dinero, me lo como con los dedos" que rápidamente se transforma en un siniestro y rápido tema con un pianito de fondo mezclando estilos. La letra va de 4 historia paralelas, uno es camello, otro ministro, otro minero y otro banquero.
Quemando Tus Recuerdos es un tema de doble cara, la primera el lado pop, acústico, cursi y poético con coros comerciales y la otra la eléctrica, cañera y complicada de digerir. Cada uno que elija una parte, pero no me cuadra ese cambio tan drástico.
De los mejores es V Centenario con su riff que es de los mejores de la banda y ese acompañamiento heavy y el estribillo con en el que las coristas lo cantan alcanzando agudos tonos en "Centenario, celebrar, las mujeres y los niños por igual" a tope y sin interrupción.
Sigue J D La Central Nuclear que puede resultar una tomadura de pelo en los primeros instantes en los que emulan una jota y se convierten en griteríos (aunque esa parte me gusta).
En Ni Príncipes Ni Princesas se incorpora un teclado que parece una tuba  ( la wiki dice que es una turuta romana ¿?¿?). Es de las más cañeras del disco, y siendo tan sencilla yo la disfruto mucho.
Vuelve el Rosen en Perro Callejero esta vez a la guitarra, pero no lo disculpa, es de los que más forma de relleno tienen, porque es un tema que encaja más en el debut.
Desidia es de ñas pocas del álbum que son limpias y algo curradas, el intro es algo parecido a...¿reggae? que raro... Arreglos por parte del Salo que son los que perfeccionan el tema junto con la parte de " Quiero Comer donde me entre hambre, quiero dormir donde me entre el sueño".
Sigue Resolución que es algo  más flojo, ya que me parece poco más que remates en las frases y algún buen solo.
Y cierra otra de las mejores: Necesito Drogas y Amor (Los Camellos No Me Fían)  y no, no voy a deciros de que va, ya que esta más que claro. Va dándole ambiente con el intro combinando metal y flamenco (así de original es Robe), y aparece la mejor melodía del álbum conversando guitarra y voz en frases como "No necesito alas para volar, prefiero LSD" o "Yo solo vivo del aire, de ponerme noche y día, no se lo cuentes a nadie, los camellos no me fían"
Con vaya versos que termino, en fin, gran álbum, posiblemente de mis tres preferidos.

Covers: All Along The Watchtower

De nuevo una nueva entrega de los covers.
En anteriores capítulos hablábamos de Little Wing, una canción en la que la original era infinitamente mejor que las versiones. Pero no siempre ocurre eso, y como muestra de ello tenemos a All Along The Watchtower. Tema propio de Bob Dylan, contiene toda su esencia pero que suena un tanto pobre. Una guitarra acústica con unos licks de armónica que intentan ser algo aunque no lo consigan.
No es una mala canción, lo que pasa es que en comparación con los covers es muy poco afortunada.





La versión más famosa es la de Hendrix, para mi es la mejor. En un principio tira a cutre, falto de la electricidad de Jimi, pero este aparece a reventar con unos solos imposibles y dándole ese toque a la melodía que, por lo menos a mi me parece extraordinario.





Otra muy destacable es la de Eddie Vedder con Million Dollar Bashers, mucha más electrizante, mucho más pomposa pero con cierta moderación, guitarras punzantes y una vena latina un tanto escondida pero que sale a lo largo de la canción.





Grandisima también, es la de Dave Matthews Band, banda que me descubrió Dani, a su estilo, tranquilo, acústico, tímido pero vibrante y rebotante. Y poco a poco va creciéndose hasta crear una aura místico.





Supuestamente Los Suaves usaron los acordes de All Along The Watchtower para hacer su tema Ya Nos Vamos, con el ambiente heavy y la voz del Yosi a lo Rosendo. Poco más que decir ya que es de mis temas preferidos de los Suaves.





Hay unas cuantas más, pero me quedo con estas.

Led Zeppelin - Led Zeppelin (1969)

Artista: Led Zeppelin.
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic Records.
Calificación: 9+

¿Mejor disco de Led Zeppelin? - No
Mejor Canción: Dazed & Confused/ 2º Puesto: Babe I'm Gonna Leave You.
Canciones: 1.Good Times Bad Times/2.Babe I'm Gonna Leave You/3. You Shook Me/ 4.Dazed & Confused/5. Your Time Is Gonna Come/ 6. Black Mountain Side/ 7. Comunication Breakdown/ 8. I Can't Quit You Baby/ 9. How Many More Times?/


Esta vez la espera se alargó más, porque también tuve una semana ajetreada, así que aprovecho el puente para subir una reseña.
Nos adentramos en los años en que el rock n roll se marcho a meditar y volvió convertido en rock. Todo ocurrió por la segunda mitad de los sesenta, la cosa empezaría entre el 66 y el 67, esos dos años fueron fundamentales para la creación de un nuevo genero.
Todo ese proceso de invención lo tendríamos que dividir en tres grupos: en primer lugar los padres, que son Robert Johnson y Willie Dixon, que fueron quienes popularizaron el blues. Más tarde llegarían los inventores, entre los que se encuentran los Stones, Beatles, Jimi Hendrix, Cream, Pink Floyd y Led Zeppelin. Y luego los perfeccionistas, quienes dieron forma a todos los anteriores. Este es un grupo muy extenso ya que llega hasta nuestros días, pero va liderado por aquella banda que no digo su nombre por no resultar repetitivo.
Pero yo quisiera centrarme uno de los conjuntos pertenecientes a los inventores, Led Zeppelin. Aparecieron cuando el tema ya se daba por zanjado, pero estos nos demostraron que no, y cogiendo el hard rock virtuoso de Hendrix y el blues de Dixon y Cream, lo mezclaron y crearon un nuevo genero para la collección. Un rock con riffs mucho más efectivos voces gritonas y acentuación blusera.
A lo largo de la majestuosa carrera Zeppeliniana fueron mejorándolo, cogiendo carrerilla y caña, pero toda discografía tiene un debut, y el de Zepp se acerca más a sonidos más Hard Blues que nada, tirando muchas veces a recordar a Cream. Mucho momento psicodélico, y ante todo, la genialidad de Jimmy Page. El guitarrista con este primer disco ya no le hace falta mejorar sus técnicas practicamente nada, los riffs ya mueven las tejas del tejado y los solos ya son soberbios. Luego su creatividad, le falta un pelín, aunque ya nos da temas excelentes, digamos que aún le queda conseguir un punto más alto si cabe de originalidad, ese punto en el que todo el mundo se arrodillaría ante la banda. 
Otra persona a la que veo sobresaliente es a John Paul Jones, el bajo me parece soberbio en este álbum, no hay más que oír el riff de Good Times Bad Times, o la locura que producen esos tonos tan graves durante el intro de Dazed & Confuesed. 
Tampoco podría acabar sin hablar de sus otros miembros, Bonham y Plant. La batería todavía no se luce lo necesario, pero vemos todo su talento. Y la voz de Plant, me parece que en este trabajo es insuperable para él.
Pero el problema del álbum que no le da ni para el nueve y medio es su segunda mitad, que a mi gusto es más floja y anda distraída, divagando, estando a todo y estando a nada, lo que nos confunde es que meten por el medio unos temas tan buenos como Communication Breakdown y How Mny More Times? que nos hace dudar.
De todas formas, me parece un álbum muy completo.


Abre con Good Times Bad Times, aturdiendo con un acorde a todo volumen, que se convierte en una melodía guitarra/voz, haciendo un unísono muy agradable, que se desploma en un puente potentísimo que a la vez recae un solo muy rápido al más puro estilo Page.
Sigue el segundo mejor tema, Babe I'm Gonna Leave You, tema acústico en el que Robert muestra sus facultades vocales creando todo tipo de sensaciones, modulando su voz, poco a poco y dejándonos como ilusos que no nos enteramos. Predomina un ambiente siniestro, y Jimmy Intenta que las seis cuerdas suenen huecas. La canción al final necesita explotar y obviamente lo hace.
You Shook Me es un corte de blues, con un slide liderando, Plant lo imita deslizando los más agudos tonos vocales vistos a graves notas. Sin duda me quedo con esa base rítmica con la pausada batería dando fuertes golpes.
En el cuarto track llegamos al Magnus Opus, Dazed & Confused un psicodélico tema, con un bajo sublime y de nuevo una perfomance de Plant hiela-sangre, la guitarra de Jimmy Page emula unos gritos, y lo consigue, hasta hace bien poco pensé que era Robert el que gritaba como un descosido. Posee el famoso riff que luego Black Sbbath supuestamente plagiaron en su tema Paranoid. Largos minutos de improvisación y experimentación con todo tipo de instrumentos y otro momento épico, el de el solo con el arco de violín.
Your Time Is Gonna Come intenta fastidiarnos el día, un himno hippie con unos coros demasiado empalagosos, todo lo contrario que sus versos que me parecen perfectos, poppys, vibrantes y llenos de sentimiento.
Black Mountain Side por más que lo escucho no me atrae, no me llega, no me tira. Es un tema instrumental que solo cuenta con dos guitarras acústicas y unos bongos, pero no tiene nada de particular.
Aparece Communication Breakdown para aliviar, con un ritmo machacón  a todo lo que da mientras  Plant hace florituras con su voz. No da mucho más de si, pero es bueno.
I Can't Quit You Baby es otro blues, no me gusta tanto como You Shook Me,  quizá porque este último es más resultón y lucido, pero I Can't Quit You Baby posee momentos memorables como esos toques de Bonham.
Cierra How Many More Times? un intro lleno de wah wah que recuerda al primer álbum de los Stooges, y luego un efectivo riff que suena a Black Keys por todos lados. Tras esa parte tan rocker parece imitar a Dazed & Confused.
Un gran álbum que cualquiera puede disfrutar. Ese mismo año llegaría su obra maestra.

Covers: Little Wing

Como ando mal de tiempo, y como encontré un hueco pues subo una nueva sección: Covers. Aquí hablaremos de los temas más míticos y con más versiones, y me gustaría empezar con  Little Wing, del álbum Axis: Bold As Love.


Un tema, con una guitarra limpia, emitiendo agudos tonos, sacándole un sonido que recuerda mucho  a la técnica de B.B. King. La armonía sobre la preciosa letra encajada en una melodía excepcional, y todo mientras los dedos del zurdo no cesan, son capaces de engatusar a cualquiera. Himnópticos golpes de metalófono y la tranquila voz de Hendrix dan vueltas a tu cabeza. En fin es imposible no resistirse a esta canción.
La canción ha influido a artistas tan diversos como RHCP, Deep Purple o  Pearl Jam.
La canción original es esta:





Ahora ya metidos en covers,  el más famoso es el de Stevie Ray Vaughan. La parte vocal desaparece y lo que en un principio parecía una copia, se convierte en uno de los mejores solos de Stevie, los dedos ni se le ven.





Otra con bastante reconocimiento es la que hizo Clapton en su época Derek and the Dominos, le incluyeron un grandioso riff y una parte de guitarra que compone una melodía sencillamente perfecta, y sin salirse nuca del ambiente de la original.
El vídeo que os pongo es de Clapton en solitario con Sheryl Crow, pero es como la original y con un arreglo que no tiene la otra.





Se que The Corrs son muy cursis y todo eso, pero esta versión unplugged con el violín, la flauta y las percusiones minoritarias, me gusta bastante, darle una oportunidad.





Y para cerrar un cover muy reciente, del último disco de Santana, cantado de forma sublime por Joe Cocker, tira mucho a Hendrix, pero tiene un algo muy personal como ese grandioso solo.





Tiene muchas más, como las de Sting, Toto, Steve Vai... pero no son tan buenas.
Saludos.

Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time - Santana (2010)

Artista: Santana.
Publicación: 2010
Discográfica: Sony
Calificación: 7

¿Mejor álbum de Santana?- No.
Mejor canción: Under The Bridge/ 2º puesto: Riders On The Storm.
Canciones: 1.Whole Lotta Love (Feat. Chris Cornell)/2. Can't You Hear Me Knockin' (Feat. Scott Weiland)/ 3. Sunshine of your Love (Feat. Rob Thomas)/ 4. While My Guitar Gently Weeps (Feat. Yo-Yo Ma) / 5. Photograph (Feat. Chris Daughtry) / 6. Back In Black /Feat. Nas)/ 7. Riders On The Storm ( Feat. Chris Bennington and Ray Manzarek) 8. Smoke On The Water (Feat. Jacoby Shaddix)/ 9. Dance The Night Away (Feat. Pat Monahan)/ 10. Bang A Gong (Feat. Gavin Rossdale) / 11. Little Wing ( Feat. Joe Cocker) 12. I Ain't Superstitious (Feat. Johnny Lang) 13. Fortunate Son ( Feat. Scott Stapp) 14. Under The Bridge (Feat. Andy Vargas)/.


Fui lo más rápido que pude, el disco salió el martes, me lo escuché y ya os lo tengo hoy sábado aquí.
Santana es uno de los tíos más influyentes de la historia del rock. O por lo menos eso es lo que a mi me parece. Pocas veces un artista latino ha llegado a ser conocido en todos los sitios, y además de conocerlo, sentir hacia él gran respeto.
No solo por eso es un grande, sino también por su eficacia con su instrumento, un sonido inconfundible en cualquier parte del mundo, tanto las seis cuerdas como sus canciones en general; la guitarra un pelín distorsionada, tocando agudos que parece que le hayan puesto unos cuantos trastes de más, con gran rapidez, sobre selecciones exquisitas de voces corales (generalmente femeninas), viajes a su tierra solo dando al play, y sobre todo sobre todo, el sentimiento que deposita sobre cada nota de su P.R.S.
Amigos, si creíamos que sabíamos tocar, deberíamos escuchar la larga carrera de Santana.
Sí, una carrera muuuuuuy larga, lo que para él empezó siendo un puro entretenimiento, vio que a raiz de Woodstock tuvo tirón y empezó a vivir solo para el público, sacando discos sin parar. Ese fue uno de los problemas que tuvo, al ver que gustaba, quiso seguir gustando, pero todas las prisas fueron las que fueron acabando con su sonido, quitándole eficacia, emoción y audiencia. Pongo audiencia subrayado porque ¿acaso alguien oyó alguna noticia suya desde el Supernatural hasta hoy? Por lo menos en España, no, y de eso ya hace 11 años. Parecía que cuando salio el Ultimate todavía se hablaba de él... pero no,  y parece que no, pero siguió lanzando álbumes al mercado, muchos recopilatorios, pero algún estudio también cayó.
Y ahora la gente se acuerda de él porque ha hecho un disco de versiones, de haber sido temas propios ni una palabra, pero no, es de versiones, pero no de cualquier tipo, sino de los grandes clásicos de guitarra de todos los tiempos (Tiene un gusto estupendo, mirad el setlist) y además unas colaboraciones geniales.
Pero ¿qué le pasa al disco?, pues que de  14 canciones que tiene, 6 son una descarada copia y otra es penosa. Y al ser una copia, el sonido no es Santana, es Keith Richards, Jimmy Page etc. Pero no le podría poner una nota mala, porque a pesar de que sean iguales, suenan bien, no deja de ser un maestro, evidentemente, y la otra mitad es buena.
Me decepcionó que estuviera escuchando temas remasterizados, ya que eso es lo que parecía, pero los otros es que son bastante buenos!! A mi me gusta, espero que a vosotros también.


Abre Whole Lotta Love, el riff se revive a manos del mostachudo y descubrimos una cosa: la gran capacidad de Chris Cornell para cantar como Robert Plant.
Sigue Can't You Hear Me Knockin', que es de las tres mas parecidas, si exceptuamos la voz de Scott Weiland que difiere con la de Jagger.
Sunshine Of Your Love lo intenta pero no, reconozco que en un principio estaba en rojo, pero no es excesivamente creativa.
While My Guitar Gently Weeps ya es bastante más original, ambientándose en un chill out cantado sensiblemente por Yo Yo Ma sobre arreglos de mandolina y violín bastante convincentes, y cierra con un solo eléctrico.
Photograph, llegue a pensar que estaba escuchando la de Deff Leppard, no hay ninguna variación en cuanto a la original.
Back In Black es un truño, se fusilan una de mis canciones preferidas, el riff sintetizado y coros femeninos y rapeada por Nas... PERO COMO OS TENGO QUE DECIR QUE BRIAN ES ÚNICO??!!
Primeros indicios de Carlitos en el disco, Riders On The Storm, en la cual piensa con sentido propio y para hammond cogen a Ray Manzarek. Santana hace unos punteos  durante todo el tema con la más pura vena latina, recordándonos que estamos en un disco suyo y no de los Doors.
Smoke on the Water, el más famoso riff de la historia vuelve a la vida en otra copia, en este caso de Deep Purple.
Dance The Night Away vuelve a probar pero de nuevo no es nada relevante.
De mis preferidas, Bang A Gong, aquí si se sale, sin dejar su estilo propio se arrima al glam sin llevarse ningun susto, formando uno de los mejores.
Little Wing está tremenda también, principalmente esa perfomance de Joe Cocker a la voz, que concuerda con la guitarra de Santana que suena sincera y llena de sentimiento.
I Ain't Superstitious, que para estar versioneando a alguien tan único y personal como Howlin' Wolf, no esta para nada mal, con mucha más potencia y emoción blues, la cual la proporciona Johnny Lang con sus cuerdas vocales y Carlos con las otras cuerdas.
Fortunate Son esta currada pero no se acerca a la original, no transmite tanto.
Cierra la mejor, Under The Bridge, suena raro que Santana toque RHCP, pero les quedo genial. La guitarra hace unas contestaciones sublimes a Andy Vargas, que suplanta muy bien a Anthony Kiedis. Cuesta darle palabras ya que se lo trabajaron mucho para conseguir el cover por excelencia del disco. La canción explota en ese puente final sin olvidar nunca su estilo, especialmente en su final en el que suena un piano parecido al de Corazón Partío y luego los coros con el "Abajo del Puente".
Me gusta pero falto de originalidad, aún así se disfruta mucho.

Nevermind The Bollocks, Here's The Sex Pistols - The Sex Pistols (1977)

Artista: The Sex Pistols.
Publicación: 1977.
Discográfica: Virgin Records.
Calificación: 10

Mejor Canción: Anarchy in the U.K./ 2º Puesto: Pretty Vacant.
Canciones: 1. Holidays In The Sun/ 2. Bodies/ 3. No Feelings/ 4. Liar/ 5. God Save The Queen/  6. Problems/ 7. Seventeen/ 8. Anarchy in the U.K./ 9. Sub-Mission/ 10. Pretty Vacant/ 11. New York/ 12. E.M.I.


Antes de nada, todo el mundo me llena la cabeza con que la portada de este disco es maravillosa, yo no le encuentro nada en especial, si alguien me lo explica, se agradecerá.
Bueno, ahora al tema. El punk siempre fue un estilo que cuando me iba a poner con el, me echaba para atrás. Probé infinidad de veces pero siempre acababa escuchando el Master Of Puppets (Mettalica), que no tiene nada que ver, pero me entraban más ganas de escuchar la versión de Motörhead del God Save The Queen que la original y a raíz de eso seguía con el trhash.
Un día me atreví, y me puse con los más recomendados, los hermanos Ramones, y no os podéis imaginar cuanto me aburrí, parecía que Blitzkrieg Bop fuera una suite de media hora divida en 14 partes, pero no, era un álbum con distintas canciones. Evidentemente mis ganas de seguir con el Punk eran pocas, mas yo lo volví a intentar. Había oído hablar mucho de un tal Sid Vicious, rebelde bajista de un grupo punkarro, Los Sex Pistols, así que incitado por un vida desastrosa me metí con ellos. ¿Qué pasó?, pues que se me pusieron los pelos de punta sin falta de peinarlos, como hace Johnny Rotten. Seguí y seguí, temía por la vida del cd de tanto que le hacía girar. No paraba de escuchar su debut, rodaba y rodaba y yo insistí en escucharlo. Me preguntaba como había pasada tanto tiempo sin ellos.
Hoy día es uno de mis 10 álbumes preferidos, y aún, como decían los Byrds: Turn Turn!.
Los Pistols tuvieron dos factores que les hicieron muy importantes:
     ·  Introdujeron el movimiento punk en el Reino Unido.
     · Crearon una estética que caracterizaba al genero, no solo vestimentas y demases, también la actitud, la de yo hago y digo lo que me da la gana y si no quieres, que te den.
Dentro de los que es el estilo, son bastante complejos, a la hora de componer, intentaron quitarle algo de simplicidad a las canciones. Mucha influencia de rock n roll por parte de Steve Jones.
Su manipulador manager McLaren siempre defendió la idea de que los Sex Pistols era una banda en la que más importaba eran las letras. Muchos se hicieron fans por eso, y otros por la música, pero de cualquier modo tuvieron muchos seguidores.
Solo grabaron un LP, Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols, muchos quisieron quitar del título la palabra "Bollocks", pero ellos dijeron que no les salía de los "Bollocks" y la cosa quedo como estaba. 
Es un disco fresco, potente, desgarrado, cañero, sin "ñoñeces" y con ganas de meterse con todo el mundo, solo les importaba desahogarse, no hay más que escuchar la voz de Johnny Rotten, a grito pelao y con un deje burlón en todos los temas.
Juegos de palabras para poder tocar más las narices a sus detractores, críticas a la Reina y a  E.M.I. ...todos esos detalles crearon una generación que sería una copia mala y barata, de intentos de punk (barata?? los discos de Blink 182 son muy caros!) de los Pistols, pero siempre tendremos su trabajo para darnos cuenta que como lo original nada.
Mclaren quiso más poder y siguió usándolos como marionetas hasta que cometió el error de abandonar a Rotten, el cual se cabreó y la banda se separó. Más tarde Sid Vicious moriría (¡de que va ser!) y haría alguna reunión con Glen Matlock, primer bajista (en el disco solo aparece en Anarchy in the U.K., en los demás temas el bajo fue grabado por Steve Jones, excepto Bodies, con Sid).


Le doy al play, se oye desfilar a la guardia real y de repente Steve Jones nos toca un acorde haciendo retumbar la casa entera, y si creíamos que lo habíamos visto todo, aparece un riff abrasante sobre el que Johnny anuncia el título, Holidays In The Sun. Frasea los versos como solo el sabe y nos ofrece un rápido y resultón "Now I've Got A Reason", mientras la guitarra suena mutada pero con mucho ritmo.
Sigue Bodies, un principio siniestro con una linea de bajo muy práctica y arreglos noise. Rotten canta agresivo durante todo el tema y nos ofrece unos power chorus con aires grandiosos.
El listón sigue alto con No Feelings, acompañamiento potente mientras la voz intenta sonar temblorosa.  Estribillos muy pegadizos, con toda la fuerza pistolera.
Liar, un poco menos currada, sobretodo la parte del "liar liar liar" y puede que demasiado pomposa.
God Save The Queen es otro de los más altos picos del disco. Johnny pronuncia save (salvar) como shave (afeitar) para fastidiarle más a la Reina. Muchísimo ritmo durante todo el track, con otro gran riff que se reptie durante los versos.
Problems, un tanto más sencilla también, la parte vocal es grave, concordando con la guitarra. El estribillo es muy simple y no me cautiva excesivamente.
Otro temazo Seventee (evidente la nº 7 xD) melodía con un aire pop-rock, pero como a los pistols no les van esos rollos, la cantan a lo bestia. Importantísimo papel  de Jones, no solo en las letras sino en su instrumento. También muy destacable la batería en el estribillo.
Uno no se lo piensa dos veces, la mejor es con muuuuuucho Anarchy in the U.K., Rotten canta con la mayor ironía posible, desde el comienzo con esa risa maligna, no hay más que atender a ese mítico "I am an anticristo, I am an Anarchist" que desemboca en ese maravilloso " I wanna destroy 'cause I wanna be Anarchist" con esa parte tan rockanrollera tocada por Steve, el cual también hace un solo muy simple, pero es la leche.
Sub-Mission es un tema con una notable influencia de Joe Strummer y también gótica, en tonos muy bajos pero con unos grandes arreglos altos que hacen una buena mezcla.
Pretty Vacant es mi preferido, seguramente porque fue el primer tema que tanto conocí como aprendí de los Pistols. Sencillo riff sobre el acorde de la, en el que aparece la batería dando tensión, hasta que Jones tiene que tocarlo sin arpegiar. Pequeños licks de blues-rock al final de cada verso para mostrarnos unos coros impresionantes.
New York, de nuevo vuelve el sarcasmo a las cuerdas vocales de Rotten. Tampoco es demasiado compleja, poco más que requintos.
Cierra E.M.I., podrían haberle puesto otro nombre y luego criticar a una discográfica, para que hubiera polémica de si era una u otra, pero no, le pusieron de título  E.M.I. Recuerda mucho a Search & Destroy.
Pues mi disco preferido del punk, así que más recomendable.
Saludos del patético Soyde.

Easy Star All-Stars

Nombre del grupo: Easy Star All-Stars.
Genero: Reggae, Dub.
Periodo de actividad: 2003-?
Mejor Canción: no se, quizá  Time...o With A Little Help...

Hoy en Camino al Rock vamos a apartar la seriedad a un lado y vamos a pasárnoslo bien. De vez en cuando tener un buen rato esta bien, y más si es con buena música.          
A mediados de los 60, en los pobres barrios de Jamaica, un joven animaba el ambiente con un estilo fruto de sus fuertes colocones de marijuana. Él se llamaba Robert, Robert Marley y había creado el reggae (y el dub, que es más o menos lo mismo). Promovió el movimiento rastafari, haciendo que todo el pueblo jamaicano siguiera sus pasos, dándole al canutillo, poniéndose rastas y gorritos.
Es increíble lo que un simple habitante de los Caribes, que además era mestizo (tenía familia blanca), pudo conseguir: casi 5 decadas desde su comienzo y todavía sigue vivo su espíritu.
Además su muerte prematura (y además misteriosa) creo aún más admiración por su persona.
Generación tras generación lo han ido honrando, hasta nuestros días.
Me gustaría dedicarle este post a una banda que ya no se le puede considerar promesa, porque para mi ya están consagrados: Easy Star All-Stars. Aquí en España no tienen demasiada reputación, y les nombras y nadie te sabe decir, pero tengo idea que por Latino America tienen bastante más fama.
El grupo a unos puede pareceros una chorrada y a otros unos grandes. Son curiosos, muy curiosos, hacen covers de clásicos del rock, pero no de canciones sueltas no, se lo curran y nos sacan un disco entero. No se puede considerar parodia, sino fusión, la fusión de dos géneros que a primera vista pueden parecer incompatibles, pero que Easy Star nos enseñó que esta chupao combinarlos y hacer de nuevo arte.
Han inventando un nuevo estilo, cada uno que lo llame como quiera, ya que es difícil darle un nombre, a lo mejor reagge-rock progresivo o dub-alternativo, yo estoy abierto a sugerencias.
Bob y Beatles llevaban careras paralelas, ¿pero cuándo se llego a pensar que se fueran a fusionar tras su muerte? xD.


Discografía.
La carrera de Easy Star All-Star comienza con la que es para muchos su obra maestra, The Dub Side Of The Moon, en el que nos tocan el clasicazo  de Pink Floyd sin cortarse un pelo, decidieron empezar con algo grande, y pensaron, ¿qué mejor que el disco más vendido del rock progresivo?. 
Un debut muy trabajado, aparentemente se tomaron mucho tiempo para prepararlo y grabarlo.
Como curiosidad dejo que en Money en vez de sonar la maquina registradora, suenan tosidos.



Su siguiente curro fue Radiodread, una versión del Ok.Computer de Radiohead, a mi a primera vista me dejó el cuerpo temblando de como casi consiguen el nivel de la original, digo casi porque el de verdad es demasiado... Incluso el cover de Fitter Happier es soberbio. 
Si el original era muy deprimente (me refiero al estado de animo, no a la calidad) este es todo lo contrario aún teniendo un toque pesimista. 



En 2008 editaron un EP con canciones propias. Puede que sea un poco más flojo que otros, pero sigue la misma linea. 
Solo consta de 8 pistas, de las cuales una, es otra vez Radiohead, bajo el nombre de Dubbin Up The Walls. Tiene algún temazo como Like The Stars, un poco más pop, pero resultón.



Y en 2009 volvieron a la carga con nada menos que el Sargento Pimienta y la Banda De Los Corazones Solitarios, ellos le pusieron Easy Star Lonely Hearts Dub Band, que no supera a su dos primeros LPs, pero no deja de ser otro buen álbum, no tengo ninguna pega hacia él, bueno sí, una, puede que sea demasiado largo, pero os aseguro que lo vais a disfrutar muucho.



Formación.
Su formación no la tengo demasiado clara, en Dub Side Of The Moon decían que eran Michael Goldwasser, Victor "Tickla" Axelrod, Patrick Dougher y Victor Rice, pero luego no se supo más y si os fijais en sus canciones trae "feat Luciano" o "feat Dr Israel". 
La foto de arriba creo que es de cuando sacaron Radiodread en  2006.